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Didier Donnot
...between the
Notion and Truth.
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By Manuel Arteaga
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For the past twenty years Didier Donnot has been researching the relation between reality and fiction through images that mix different elements, including photography, different materials, and oil paint – used in various techniques, configurations and abstraction.
As the current series of paintings was being developed, Didier came up with the concept “Photographic Sculpture”, where the photo is brought out in levels, enhancing the artwork and mixing it with reality (real materials) and oil painting.
Since 2000 Didier has been developing paintings based on oil on canvas mixed on a photo and relieved materials.
Nowadays, Didier works on three different series, two started last year and a more recent one.
“It's definitively so hard to be Zen” is a series based on his reaction to the Zen fashion that currently prevails in Europe. Starting from a portrait of Buddha, which appears behind with closed eyes, an inner light symbol of a fundamental quest for life, Didier wanted to highlight the plight of such research and its stigma.
« Le bruit de ton silence » or The sound of your silence, is a very abstract piece mixing together several elements and oil paints. It is a search for the expression of an infinite depth, as if one word is enough to express the complexity of being.
The third artwork has no title yet, but it will be based on the remains of buildings and architectural elements that appear on a large abstract painting. The real meaning is mixed and expressed with oil paint.
Finally, in parallel to his works as a painter, Didier switched to the development of installations composed by objects, which he entitled « le musée du Congo belge » or The Museum of Belgian Congo. This work of diverted objects aims at imitating African craftsmanship, while bringing it towards surrealism like the work of André Breton.
Et si tout n'etait qu'illusion
What are your earliest memories you remember about art?
My earliest memories are my father and grandfather who developed their own photos at home, during family meetings, where the kitchen was occasionally transformed into a photography dark room.
Resuming your art studies to the maximum. What do you remember from art schools that sticks in your head until today? What line work do you always keep in mind? How do you get into the zone mentally?
It's very simple, I never went to art school. I'm a self-taught artist.
My creation is the fruit of my sensitivity and my reflections on art and the human. The failure to follow school of art gives me a great freedom compared to following a format based on institutional training.
I do not follow any movement.
I do not obey any rules.
I'm always very interested and touched by the image, its meaning and its power. I'm constantly developing my research around the limits between reality and fiction.
In your art piece “La sérénité au bout du chemin” or The serenity at the end of the road, as many of your artwork, the art piece seems to be related to the name by color and emotions, more than representing an actual “end of road” in the composition. How do you choose the images and colors? Is it by instinct, is it by pure causality to the moment?
I select the images in relation to the emotions they inspire and what I want to express. I want to give an aged-look to the painting by the materials and pictures used, the wear, corrosion, erosion or dirt used in it; just to show the mark of time. About the colors and the paint technique, I let myself go emotionally as I follow the moment invade the canvas.
Your art involves different medias: photography, variety of acrylics and thickness, paper, plaster. Describe the process you go through when creating a new piece. Do you sketch first, before getting to work on the art?
The creative process is very difficult to formalize. It is a complex mixture between the deep expression of personal emotions and spontaneousness upon completion, without prior discussions.
The path followed since the beginning of my research seems relatively linear: work and communication around the boundaries between the notion and truth, so important to our society, where the image is a strong vector and the fiction, which is a personal interpretation of reality. To consult the viewer, almost systematically using different media: The Photography that can't stop being real, but allows any interpretation by isolation from its context, the Material that has real meaning only through its use and loses its meaning once diverted, and the Painting media that represents the total fiction, but also to create an hyperrealism out of its abstraction.
I very rarely do sketches before painting. I did it regularly before when I was working on photography, but much less now since I work on a canvas.
Your paintings and photographs are intense. Is it difficult to keep up that level of intensity all the time?
It is more a statement than question, and I thank you.
I try to get to the essence of being, and I believe the picture becomes intense when it is correct in its perception. I am happy to do this from time to time. Of course, all the artworks don't have the same degree of intensity. Some paintings are easy and simple, others must be reviewed, adjusted several times to reach an acceptable level. Some paintings never get there.
Finally, all series are not made as deep or an easy work, I often step back because I'm afraid to move forward.
Which other artist have had the biggest influence on you?
In photography, I always loved George ROUSSE, and Iannis Dibbets.
In contemporary art, my favorite artists: Rene Magritte, Francis Bacon, Pierre Soulages, Antoni TAPIES, Arman, Daniel Spoerri, CESAR, Robert RAUSHENBERG...
Which other person (not artist) have had the biggest influence on you?
My companion and my daughters!
What do you listen to while you are working?
I listen to music at all times while I'm painting. Mostly rock music. I listen to five bands in special: Arno, Alain Bashung, Nick Cave, Rodolphe Burger (Katonoma) and Lou Reed. I also listen to Radiohead, John Cale, Muse, Madrugada, Coldplay, Laurie Anderson, Bjork, Calvin Russell , Ben Harper and more…
Your paintings are mostly subjective. Have your ever tried a more objective form of art?
Yes. Through the series “ It's definitively hard to be Zen" I work on the representation of Buddha, trying to show the inner light. There is objectivity in these paintings at the same time expression in the use of the material, emphasizing the subjective aspect of the difficulty of searching for serenity.
Why kind of environment suits you the best when painting a new piece?
My creative world is my own studio. Also, whenever I find myself in the mood , I can work, whatever the conditions, in a storage or cleaning. The music is essential. Whenever the time is available, I can work for two hours or ten hours.
In fact, when I feel the need to create, I can get to work anytime and anywhere.
What's next? Do you have any future event or exhibition? Where can we find you?
As future exhibitions, I will have three in Versailles in October in my workshop (for an artistic event that I organize for the city), a gallery in November and May 2010 in another gallery here. I have to participate in an exhibition in Japan in June 2010.
You can see me at home, at Versailles, of course. There are also some paintings in Pittsburg, at the Europart Gallery.
Otherwise, on the net at:
www.didierbonnot.canalblog.com
www.reaktiv-zone.org/
fr/view_profil,didier.bonnot_2004033119518.html
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Où en êtes vous actuellement?
Depuis 20 ans, je développe une recherche sur le rapport entre la réalité et la fiction, à travers des tableaux où se mélangent divers média, photographies, matières réelles et peinture, ainsi que différentes techniques, figuration et abstraction.
Au fur et à mesure des séries développées, j'ai d'abord travaillé sur la photographie, inventant le concept de « sculpture photographique », où la photo, mise en relief sur plusieurs plans, était mélangée à de la matière réelle et de la peinture. Depuis l'an 2000, mon travail est sur toile, et la base est devenue de la peinture à l'huile, sur laquelle la photo apparaît ainsi que de la matière réelle.
Aujourd'hui, je travaille sur trois séries différentes, 2 débutées depuis l'année dernière, et une nouvelle.
« It's definitivly so hard to be Zen » est une série basée sur ma réaction face à la mode “Zen” qui sévit actuellement en Europe. En partant d'une représentation de portrait de Bouddha, où apparaît derrière des yeux fermés, une lumière intérieure, symbole d'une quête essentielle de vie, je la travaille en usure pour faire ressortir la souffrance de cette recherche et ses stigmates.
« Le bruit de ton silence » est une série très abstraite où la matière et la peinture sont mêlées. Une recherche sur l'expression minimale d'une profondeur infinie, comme si un seul mot suffisait à exprimer la complexité de l'être.
La troisième série n'a pas encore de titre. Il s'agit d'un travail sur les vestiges. Des ruines de bâtiments avec des éléments architecturaux nobles apparaissent sur une peinture abstraite. De la matière réelle intervient aussi, mêlée à la peinture.
Enfin, parallèlement, à mon travail de peintre, je développe la réalisation d'une installation constituée d'objets, qui s'intitulera « le musée du Congo belge ».Travail sur des objets détournés, imitant le travail artisanal africain mais tirant vers un surréalisme cher à André Breton.
Quels sont vos premiers souvenirs en matière d'art?
Mes premiers souvenirs, c'est mon père et mon grand père qui développaient leurs photos, au cours de séances familiales, où la cuisine était occasionnellement transformée en laboratoire.
Résumez vos études d'art au maximum. Que vous rappelez- vous de vos écoles d'art, qui vous poursuit encore aujourd'hui ? Quelle ligne de travail avez vous toujours gardé à l'esprit?
C'est très simple, je n'ai jamais suivi d'école d'art. J'ai développé mon art en autodidacte. Ma création est le seul fruit de ma sensibilité et de mes réflexions sur l'art et sur l'humain. Le fait de ne pas avoir suivi d'école d'art me donne en fait, une très grande liberté et beaucoup de démarquage par rapport au formatage d'une formation institutionnelle.
Je ne m'inscris dans aucun mouvement, et ne dois obéir à aucune règle.
Toujours très intéressé et touché par l'image, son sens et son pouvoir, j'ai développé et développe encore ma recherche autour de cette limite existant entre la réalité et la fiction.
Dans bon nombres de vos travaux, les oeuvres semblent être rapprochesé de leur titre par l'émotion et la couleur, plus que par la représentation d'une composition définitive. Comment choisissez vous les images et les couleurs ? Est ce par instinct, ou par pur rapport de causalité au moment présent?
Les images, je les choisis par rapport à l 'émotion qu'elles dégagent, et à ce que je veux exprimer.
Je souhaite redonner le temps à l'œuvre. Aussi il me faut des images ou des matières, où l'usure, la corrosion, l'érosion ou encore la saleté, vient montrer la marque du temps.
Pour les couleurs et le travail de peinture, j'obéis à l'instant, laissant l'émotion du moment envahir la toile.
Votre art implique différents médias, la photographie, variétés et épaisseur de peinture, papier, plâtre. Pouvez vous décrire le processus de création d'une nouvelle pièce? Faites vous des esquisses avant le travail créatif ?
Le processus de création est très difficile à formaliser. C'est un mélange complexe entre l'expression profonde d'émotions personnelles et spontanées au moment de la réalisation, imprégnées de toute une réflexion préalable.
Le chemin suivi depuis le début de ma recherche me paraît relativement linéaire: travailler et communiquer autour de ces limites entre la notion de vérité, si importante à notre société et dont l'image est un vecteur fort et la fiction, qui n'est qu'une interprétation personnelle du réel. Pour interroger le spectateur, j'utilise quasiment systématiquement des médias différents : la photographie qui ne peut partir que du réel, mais qui permet tout interprétation par isolement de son contexte, la matière réelle qui n'a de signification que par son utilisation et la perd une fois détournée, et la peinture média qui représente la fiction totale, mais qui peut être utilisée de l'abstraction à l'hyperréalisme.
Je fais très rarement des esquisses avant de peindre. J'en faisais régulièrement avant, quand je travaillais sur le support photographique, mais beaucoup moins depuis que je travaille sur la toile.
Vos peintures et vos photographies sont intenses. Est il difficile de maintenir ce niveau d'intensité tout le temps ?
C'est plus une affirmation qu'une interrogation, et je vous en remercie. Je cherche à toucher à l'essentiel de l'être, et je pense que le tableau devient intense quand on est simplement juste, par rapport à ses ressentis. Je suis heureux d'y parvenir de temps en temps. Bien entendu, tous les tableaux n'ont pas le même degré d'intensité. Certains tableaux viennent très facilement et simplement, d'autres doivent être revus, corrigés, plusieurs fois pour arriver à un niveau acceptable, certains tableaux n'y arrivent jamais.
Enfin, toutes les séries réalisées ne sont pas aussi profondes, et un travail plus léger, permet souvent de prendre du recul, pour mieux avancer.
Quels sont les artistes qui ont eu de l'influence sur vous?
En photographie, j'ai toujours beaucoup aimé Georges ROUSSE, et Iann DIBBETS
En art contemporain, mes artistes préférés : René MAGRITTE, Francis BACON, Pierre SOULAGES, Antoni
TAPIES, ARMAN, Daniel SPOERRI, CESAR, Robert RAUSHENBERG…
Quels sont les personnes qui ont eu de l'influence sur vous ?
Ma compagne et mes filles !
Qu'écoutez vous lorsque vous travaillez?
Quand je peins, j'écoute toujours de la musique. Principalement du rock.
Précisément, j'écoute énormément 5 artistes dont les vibrations me semblent très proches des miennes. Il s'agit d'ARNO, Alain BASHUNG, Nick CAVE, Rodolphe BURGER (KATONOMA) et Lou REED.
Je me retrouve aussi beaucoup dans d'autres artistes, RADIOHEAD, John CALE, MUSE, MADRUGADA, COLDPLAY, Laurie ANDERSON, BJORK, Calvin RUSSEL, Ben HARPER etc etc
Votre peinture est essentiellement subjective. Avez vous déjà interprété l'art de façon plus objective?
Oui. A travers la série « it's definitivly so hard to be ZEN”, je travaille sur la représentation de portrait de Bouddha, en essayant de faire apparaître la lumière intérieure. Bien sûr derrière la peinture objective, il y a une expression à travers le travail de la matière, mettant en avant l'aspect plus subjectif de la difficulté de cette recherche de sérénité.
Quel type d'environnement vous convient le mieux lorsque vous entrez en création?
Mon univers de création, c'est mon atelier. Aussi, dès que je me trouve dedans, je peux travailler, quelque soit son état, de rangement ou de propreté. La musique y est indispensable. Quant au temps disponible, je peux me mettre à travailler pour deux heures ou pour dix heures.
En fait, quand je sens le besoin de créer, et l'envie, je peux me mettre à travailler n'importe où et n'importe quand.
Et maintenant ? Avez vous des évènements en préparation ou de futures expositions ? Où peut on vous voir?
Comme expositions futures, je vais en avoir trois à Versailles, en octobre dans mon atelier (pour une manifestation artistique que j'organise sur toute la ville), en novembre dans une galerie et en mai 2010 dans une autre galerie. Je dois participer à une exposition au Japon en juin 2010.
On peut me voir chez moi, à Versailles, bien sur. Il y à aussi quelques tableaux à Pittsburg, à l'europart gallery.
Sinon, sur le net :
www.didierbonnot.canalblog.com
www.reaktiv-zone.org/
fr/view_profil,didier.bonnot_2004033119518.html
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